Persidangan Seni HOA 2010 Singapura: Suatu Catatan Perjalanan

 Oleh: Faizal Sidik

Hari Pertama / 11 Nov 2010

Lokasi: ‘The Subtation’, Armenian Street

600 – Bertolak daripada Balai Seni Lukis Negara untuk ke lapangan terbang KLIA menaiki

pasawat MAS MH 601 berlepas pada kira-kira jam 7.35 pagi

900 – Sampai kelapangan terbang Changi, Singapura dan selepasi melepasi imigresen kami

terus ke hotel penginapan dengan teksi ke hotel penginapan iaitu di Hangout @ Mt. Emily di 10 Upper Wilkie Rd untuk  daftar masuk atau check in.

1030 – Berkumpul di lobi hotel untuk dijemput oleh pihak penganjur untuk ke lokasi pertama

persidangan iaitu di ‘The Substation’ iaitu di Armenian Street dimana pendaftaran peserta dan majlis pembukaan berlangsung

1100 – Majlis resepsi mengalukan kedatangan peserta oleh pasukan HAO diadakan dimana ia

diadakan di The Substation Theatre, dimana suai kenal secara bulatan dijalankan dimana peserta memberi latar belakang karier mereka dan dari negara mana mereka berasal.

1130 – Pengenalan tentang Persidangan HAO 2010 diberikan oleh Khairuddin Hori dan

Audrey Wong  iaitu pengasas HOA. Khairuddin atau Khai merupakan seorang artis dan kurator di Singapore Art Museum (SAM) manakala Audrey pula adalah merupakan  ketua program sarjana kesenian dan pengurusan budaya di Singapore Management University (SMU), pentadbir dan beliau juga pernah dicalonkan sebagai Ahli Parlimen. Menurut mereka Persidangan HOA yang kedua ini adalah kesinambungan daripada yang pertama yang diadakan di Pulau Sentosa, Singapura pada 2009. Tambah mereka lagi edisi kali kedua ini sepatutnya berlangsung di sebuah pulau di Malaysia, disebab kekangan perbelanjaan penganjur terpaksa mengadakannya sekali lagi di Singapura. Mereka sengaja mengadakan persidangan pertama di sebuah pulau kerana pada waktu yang sama acara Singapore Biennale juga telah diadakan pada masa yang sama, ini bertujuan supaya peserta boleh fokus kepada program yang telah diatur. Menurut mereka persidangan ini bukan sahaja mengkhusus perbincangan oleh penceramah dan fisilitator mengenai seni halus sahaja tetapi ia merentangi genre seni kontemporari seperi seni persembahan, teater, muzik dan media baru, diharap daripada 4 hari program yang diatur ia dapat membantu pengiat seni muda, kurator dan pengurus keseniaan membina jaringan dengan rakan peserta serantau untuk mendekatkan lagi jarak industri seni di Asia Tenggara ini.

1200 – Margeret Chan - ‘The Social Science of Art’

Margeret Chan iaitu seorang pembantu Profesor Singapore Management University

yang juga seorang aktor, penyelidik dan penulis diprogramkan memberikan topiknya 

yang pertama betajuk ‘The Social Science of Art’. Margeret yang mempunyai

latarbelakang seni persembahan dan teater menyampaikan dapatan penyelidikan Phd berkenaan dengan Teater Opera Cina dan kaitnnya dengan kesenian halus dari segi rekaan set, kostum dan juga seni lukis. Margeret mempunyai minat mengkaji lapangan semangat sebagai medium pemujaan dan agama popular Cina. Buku beliau yang bertajuk ‘Ritual is Theatre, Theater is Ritual: Chinese Spirit Medium Worship’. Pengkajian beliau menjurus kepada pemujaan semangat ting-ki, yang begitu signifikan dalam budaya orang Hokkien dimana pemujaan ini tersebar luas kepada diaspora Cina di Taiwan dan Asia Tenggara yang mendapat tumpuan oleh ilmuan  dalam bidang ini yang mana pengkajian ini meliputi Singapura, Fujian di China, Taiwan, Malaysia, Thailand and Indonesia. Beliau mengaitkan bagaimana upacara merasuk dalam Teater Cina juga mempunyai kaitan dari segi jalan ceritanya dengan Semar dalam teater Jawa, kuda kepang bagi teater Melayu, Hanuman dan dalam teater India.

1300 – Waktu rehat untuk makan penganjur tidak menyediakan jamuaan, peserta bebas untuk

            menjamu selera di sekitar lokasi ‘The Substation’. Kami dibawa oleh seorang peserta

tempatan di sebuah restoran makanan Melayu yang kelihatan seperti di Kompleks Pertama di Kuala Lumpur.

1430 – Rich Streitmatter – ‘Visual Syllables: The Diacritic Exercise’

Program di sambung masih dilokasi yang sama oleh pembicara kedua iaitu Rich

Streitmatter iaitu artis seni persembahan dan juga penyelidik dari Ho Chi Minh City, Vietnam  menyampaikan topik berikutnya iaituh ‘Visual Syllables: The Diacritic Exercise’ atau 'Syllables Visual: Latihan Diakritik'. Apa yang menariknya dalam sesi kali ini adalah beliau tidak berada dalam masa dan tempat yang sama dengan peserta. Peserta hanya meihat rakaman secara video dengan Rich yang disediakan oleh penganjur. Dalam penyampaian beliau banyak membuat perbandingan antara citarasa atau taste dan buangan atau waste. Menurutnya konsep minima iaitu menolak produksi besar-besaran dalam seni boleh mengurangkan pencemaran. Menurutnya lagi pencemaran dan konsumer adalah merupakan dalam ekologi perniagaan, beliau menyarankan seni konsumer iaitu seni interaktif dua hala antara diantara audien dengan objek seni bagi mengurangkan pencemaran. Beliau juga menyentuh dengan rekaan yang menarik dan trend semasa konsumer apa yang dikatakan sebagai ‘projek organik’. Menyentuh dengan konsumerisme moden pada hari ini Rich mengatakan produk perkhidmatan oleh penyedia pencarian web internet Google iaitu ‘Google Map’ merupakan produk konsumer percuma atau ‘free consumer’ yang mana ia boleh dikongsi seluruh umat global yang mesra pengguna lagi memudahkan. Tambah beliau lagi Kitar Semula merupakan satu ‘projek’ yang telah direncanakan sejak awal lagi kerana ia akan membawa pulangan  wang lumayan bagi sesetengah pihak dan akan memerangkap tingkah laku kita. Beliau juga mengaitkan dengan media sosial pada hari ini iaitu Facebook sebagai platform alternatif dalam membuat duit yang menidakkan pihak tengah, walaupun penolakkan orang tengah ini bukan isu baru dengan kehadiran blog-blog perniagaan secara atas talian, hubungan ‘jiwa’ yang dibina oleh laman web sosial itu tadi lebih kuat tarikannya.

1600 – Waktu rehat

1630 – Villains – ‘Reflections of a Creative Quartet’

Villains yang merupakan kurator HAO pada kali ini adalah merupakan kolektif kreatif

yang terdiri daripada Razi Razak, John Ling, Farizwan Fajari dan Djohan Johari mengambil alih dengan menyampaikan tajuk ‘Reflections of a Creative Quartet’ . Mereka yang bekerja sebagai sebuah kumpulan artis merentangi disiplin kreatif  seperti seni halus, rekaan, perfileman termasuklah multimedia mempunyai visi dalam mencari dan mendekatkan audien dan pelanggan mereka dengan idea-idea yang inovatif dan menarik untuk di kongsi. Dalam projek dan program yang dilakukan oleh Villains mereka ingin mewakili tangan-tangan gelombang yang mempengaruhi generasi muda dengan visi yang unik dan idea-idea yang kritikal dalam penghasilan artistik. Artis biasanya lebih senang bekerja secara individu dalam berkarya namun Villains banyak berkongsi pengalaman bagaimana mereka dapat bekerja secara kolektif walaupun masing-masing mempunyai kepakaran bidang yang beza dalam membina program atau menyertai pameran pameran sebagai kurator dan artis yang boleh bekerjasama dalam satu bumbung. Mereka cuba memecahkan dinding sempadan konvensional yang diciptakan oleh pengkarya individu dalam kreativiti kepada dalam satu entiti pasukan yang mempunyai misi yang sama menjana pengalaman, wacana, infoemasi dan inspirasi antara sesama mereka. 

1800 – Rehat dijamu dengan makanan ringan

1830 – Steve Lawler – ‘Kult of The Printed Word’

Pengarah kreatif  majalah seni reka grafik iaitu ‘Kult’ yang juga seorang artis Steve Lawler menyampaikan cabaran-cabaran yang boleh hadapi dalaram penerbitan majalah grafik dan illustrasi dengan tajuk ‘Kult of Printed Word’. Steve lebih selesa mengelarkan beliau sebagai kurator majalah dan buku yang mempunyai latar belakang pendidikan Seni Reka Grafik dari Brighton University pernah beberapa syarikat penerbitan majalah dan periklanan seperti ‘Color Magazine’ dan bekerja secara eksklusif dengan produk jenama Diesel bersama tenaga kretif di Selatan Itali, Dari situ beliau beralih ke Asia dan banyak melakukan kerja-kerja pembinaan laman web dan kempen periklanan untuk jenama global di bawah bumbung OgilvyOne Singapore. Selepas mempelajari selok belok perdagangan iklan beliau menjadi perunding atau konsultasi projek sebagai pemikir kreatif, pengarah kreatif dan pereka. Beliau kini merupakan pengarah kreatif Kult3D yang terlibat dengan projek di Asia samada idea yang bersifat komersial dan eksperimen. Beliau juga sering dijemput untuk membuat rekaan majalah, selain mengadakan wokshop dan banyak bereksperimentasi dengan media baru. Menurut beliau mengkuratorkan majalah atau buku tidak banyak perbezaan dengan idea daripada kerja-kerja mengkuratorkan pameran. Ia menuntut seorang kurator untuk melakukan penyelidikan dan lawatan ke galeri-galeri swasta mahupun ke kolej atau universiti untuk mencari bahan untuk dimuatkan kedalam keluaran majalah. Majalah ‘Kult’ menghimpunkan pelbagai rekaan ilustrasi dari pelbagai negara dengan membawa konsep ‘see a magazine like you’ve never ever seen before’  atau ‘melihat majalah yang anda tidak pernah sesekali melihatnya sebelum ini’ . Apa yang significant pengkuratoran majalah beliau ini ialah beliau seboleh mungkin untuk membawa kandungan isi majalah atau rekaan secara interaktif atau dekat dengan pembaca. Beliau cuba untuk menukar konsep pengguna estetik pergi ke galeri untuk melihat pameran dengan meletakkan objek estetik secara interaktif  kepada bahan yang selalu digunakan oleh pengguna sasaran ditempat yang menjadi pilihan mereka untuk bersantai atau berihat seperti di pusat membeli belah, pusat permainan elektronik dan lain-lain.

2000 – Jamuan makan malam sempena mengalukan kedatangan peserta disediakan oleh

penganjur.

2100 – Majlis tamat dan peserta melakukan aktiviti masing-masing

Hari Kedua / 12 Nov 2010

Lokasi: 8Q @ Singapore Art Museum (SAM), Bras Basah Street dan

 LASALLE College of  Arts, McNally Street

1000 – Hari kedua persidangan bermula pada jam 2 selepas sahaja sarapan di hotel jadi kami

mengambil kesempatan untuk  mengadakan lawatan ke beberapa galeri dan muzium seni. Kami bernasib baik kerana lokasi persidangan pada hari itu berada didalam kawasan ‘Art & Heritage District’ dimana kawasan dalam lingkungannya terdapat banyak muzium dan pusat pengajian tinggi seni dan pusat kebudayaan yang  yang tidak jauh dari hotel penginapan, jadi kami berjalan kaki sahaja menuju ke  lokasi pertama iaitu Galeri Seni Nanyang Academy of Art (NAFA) di Bacoolen Street. Dimana terdapat pameran ‘Face to Face: Portraiture in a Digital Age’ dikuratorkan oleh Kathy Cleland iaitu pameran bergerak mempersembahkan 14 artis Australia dengan 20 karya cuba meneroka imej potret dalam ekspresi baru dalam era baru digital pada abad ke 21 ini. Ia dibawa oleh Asialink dengan kerjasama Kedutaan Australia di Singapura dengan d/Lux/MediaArts sehingga 7 Disember.

1300 – Kebetulan di Becoolen Street terdapat sebuah masjid yang  merupakan sebuah

bangunan beberapa tingkat dijadikan masjid bertentangan dengan Galeri NAFA saya menunaikan sembahyang Jumaat manakala Koon meneruskan lawatan ke National Museum of Singapore yang sedang mengadakan pameran Pompeii sementara menunggu saya solat Jumaat.

1400 – Howard Chan ‘Shaping Vernacular Culture’

Howard Chan adalah merupakan aktivis program budaya di Hong Kong. Program budaya yang direncanakan beliau menjambatani ilmu dalam bidang yang berbeza dan berpusatkan kepada masyarakat. Pada tahun 2002 beliau mengasaskan bersama dan pengerusi kepada  Community Museum Project (CMP) , sebuah kolektif kuratorial dan penyelidikan yang cuba menolak konsep vernakular muzium atau muzium tanpa dinding ‘Museum without a wall’ yang cuba menyelesaikan masalah budaya setempat  dalam kehidupan harian masyarakat. Antara projek komuniti yang dikuratorkan secara kolektif oleh beliau adalah ‘Objct of Demonstration’ 2002 dan 2004, ‘(This is Not) Fake Museum’ 2003, siri ‘Street as Museum’ 2005, dan ‘Design by Users’ 2005.

Dengan membawa konsep muzium komuniti iaitu budaya dan praktis dalam kehidupan seharian atau ‘culture dan practice of everyday life’ pembentangannya banyak menerangkan proses disebalik CMP, dan tindak balas yang beliau perolehi daripada pengkuratorannya itu. Dapatannya daripada penyelidikannya itu melibatkan penglibatan dan tindakbalas segera daripada komuniti bagaimana museum itu dilihat sebagai alat bahasa.

1600 – Mikal Telle ‘Listen With Your Eyes’

Anda pasti akan mendengar dengan telinga bukan dengan mata, namun tajuk menarik oleh Mikal Telle iaitu ‘Listen ith your eyes’ membuat anda tanya-tanya bagaimana kita boleh mendengar menggunakan mata. Mikal yang berpengkalan di Bergen, Norway memulakan kariernya dengan menubuhkan Telle’ Record sebagai kedai rekod rakaman bermula pada 1995. Beliau kini merupakan pengasas dan mempunyai pengurusan muzik yang utama di Norway yang mempunyai artis di bawah naungan syarikat rakamannya yang berjaya diperingkat nasional dan antarabangsa. Music dan seni tidak dapat dipisahkan dengan Mikal, beliau cuba memasukkan elemen-eleman seni kedalam muzik-muziknya. Beliau banyak menceritakan cabaran-cabaran yang dihadapi dari sudut etika dan integriti untuk dijuarai dalam industri walaupun secara komersil ia membawa juga budaya bersamanya.

1730 – Makan malam di Bencoolen Street dimana peserta dengan aktiviti sendiri.

1800 – Sebelum ke persidangan seterusnya yang akan berlangsung pada pukul 7 malam di

College of Art, kami mengambil kesempatan untuk memasuki Singapore Art Museum (SAM) selepas makan disebuah restoran dengan peserta yang lain. Kami bernasib baik tidak dikenakan bayaran masuk pada waktu berkenaan kerana pada hari Jumaat setiap minggu SAM masuk ke muzium ini adalah secara percuma iaitu antara pukul 6 petang sehingga jam 9 malam dimana bayaran masuk biasa ke sini akan dikenakan sebanyak $10 untuk dewasa, $5 untuk pelajar dan warga tua daripada umur 60 tahun keatas manakala diskaun 20 % kepada mereka yang datang secara berkumpulan 20 orang atau lebih. Terdapat beberapa pameran utama yang sedang berlangsung di SAM pada waktu ini antaranya pameran solo oleh artis daripda Thailand iaitu ‘Natee Utarit: After Painting’ yang berlangsung daripada 1 Oktober 2010 hingga 20 Februari 2011ditaja oleh syarikat perbankan Credit Suisse dalam siri pameran seni. Selain itu pameran solo ‘Cheong Soo Pieng: Bridging Worlds’ berlangung daripada 15 September hingga 26 Disember 2010 dengan kerjasama National Art Gallery, Singapore yang ditaja oleh Lee Kim Tah Holding Limited. Soo Pieng merupaka pelukis Nanyang Academy dimana Balai Seni Lukis Negara Malaysia mempunyai sebilangan karya beliau, untuk pameran beliau di Singapura ini BSLN telah meminjamkan 8 keping catan Soo Pieng daripada koleksi kita kepada SAM. Terdapat juga pameran lain yang sedang dipameran disini pada waktu lawatan kami ini seperti di aras satu terdapat ‘It’s Now or Never I: New Contemporary Art Acquisitions from Singapore’ mempamerakan karya-karya pembelian terkini SAM.

1900 – Zaki Razak ‘Like a Bridge Over Troubled Ideas – A Symposium’

Program seterusnya adalah merupakan simposium di pengerusikan oleh Zaki Razak iaitu artis dan penulis yang bertajuk ‘Like a Bridge Over Troubled Ideas- A Symposium’ atau ‘Simposium – Idea yang Bermasalah seperti di Jambatan’ menariknya persidangan meja bulat ini diadakan betul-betul diatas jambatan aras 4 , LaSalle College of Art menjemput panel dalam pelbagai bidang terutmanya daripada tenaga pengajar LaSalle dan ‘Fellow HAO’ iaitu peserta sendiri. Dalam simposium panel meja bulat yang terdiri daripada artis, pengiat teater dan ahli akademik dan  banyak membicarakan isu-isu semasa seni kontemporari di rantau ini terutamanya di Singapura. Zaki Razak selaku peneraju simposium memulakan dengan meminta pendapat panel bagaimana apa yang dikatakan renaisan dalam seni kontemporari Singapura dengan adanya acara-acara besar seperti Singapore Biennale dan ekpo seni seperti Art Singapore ia membuka mata peminat seni untuk datang kesini dengan jumlah pengunjung yang tidak pernah difikikirkan sebelum ini, malah ia bukan sahaja memberi kesannya terhadap Singapura sahaja malah negara-negara Asia Tenggara yang berhampiran turut merasai angin perubahan pasaran seni ini. Sungguhpun begitu terdapat isu-isu lama yang masih belum selesai dari sudut ketidakbebasan ekspresi artistik daripada kerajaan mereka sendiri dimana menyekat penghasilan karya yang mengkritik pemerintah yang dibangkitkan oleh panel terutamanya pengiat muda. Selain itu isu yang menjadi popular dimana-mana perjumpaan seni ada dari aspek dana, geran dan bantuan kewangan dalam penghasilan artistik.

2100 – Selepas simposium ditutup dengan soal jawap dengan ‘Fellow HAO’ acara seterunya

adalah peserta di kehendaki melakukan tugasan budaya di lokasi yang dinamakan ‘Little India’. Mereka dipecahkan mengikut kumpulan yang kecil dan mengikut minat dan idea masing-masing.

2300 – Program untuk hari kedua berakhir dimana peserta balik ke hotel dan tempat tinggal

masing-masing.

Hari Ketiga / 13 Nov 2010

Lokasi: BISHAN 22 Street ,  Chinese Opera Tea House dan Emily Hill/ Astaka Seni

8045 – Semua peserta antarabangsa dikehendaki berkumpul di lobi hotel untuk menaiki bas

bersama ke lokasi pertama iaitu di Bishan.

9030 – Sarapan di tempat pertemuan pertama iaitu di Bishan 22 Street iaitu

merupakan rumah kepada peneraju simposium semalam iaitu Zaki Razak dengan tajuk yang mempunyai kaitan dengan persidangan semalam iaitu ‘Post Symposium Talk’ yang cuba melihat tindakbalas dan reaksi peserta daripada apa yang diutarkan oleh ahli panel semalam. Acara dimulakan dengan sarapan secara santai yang disediakan oleh tuan rumah iaitu roti Perancis yang dicicah dengan kuah sup, beserta dengan kuih-kuih Melayu tradisional. Perbincangan dimulakan dengan Zaki menerangkan sedikit mengapa acara tersebut diadakan di atas jambatan dan perancangan sebenar strategi beliau dalam simposium yang beliau katakan sebagai sebuah persembahan seni yang dikuratorkan oleh beliau. Minat beliau terhadap persolan kesedaran manusia, hermaneutik seni yang selalunya digunakan dalam permainan kata-kata dan permainan terhadap karya-karyanya hal ini dapat diperhatikana dalam pengkuratoran pamerannya sebelum ini seperti ‘Is This Home Truly? dan ‘Berita Harian 2: Utusan Melayu’.

1200 – Pertemuan di Bishan 22 Street berakhir dan peserta bersedia untuk ke lokasi

seterusnya iaitu di Chinese Opera Tea yang terletak dalam kawasan China Town.

1245 – Audrey Wong – ‘The Myth of The Struggling Artist’

Audrey Wong yang merupakan ketua program sarjana pengurusan seni dan budaya, pentadbir dan pengasas bersama HAO. Beliau banyak mengkurator dan menganjurkan festival, pameran, produksi teater dan program pertukaran artis antara negara. Dalam tajuk ‘‘The Myth of The Struggling Artist’ atau ‘Mitos Pergelutan Artis’ beliau memperkenalkan ibu beliau yang juga pengiat teater opera cina yang dipentaskan di premis miliknya sendiri yang dinamakan Chinese Opera Tea. Audrey mengambil sampel kajian kes ibu beliau sendiri dalam memaksudkan perjuaangan artis bukan sahaja dalam bidaang teater malah semua genre seni. Beliau menyentuh persoalan kepada peserta adakah pada masa kini artis untuk artis ? atau artis membantu artis yang lain. Pada pandangan ibunya mengatakan pada masa dahulu mereka bergiat dalam kegiatan teater hanya untuk keseronokan berbeza pengiat pada hari ini yang mempertaruhkan ringgit dan sen untuk mereka terus hidup bagi membayar sewa dan bil bulanan. Jadi ia menuntut sikap mereka lebih profesional berbanding di zamannya. Mereka dahulunya juga tidak membuat duit dalam kegiatan seni. Jadi disini terdapat konflik minat samada mencari jalan selamat untuk bekerja agar setiap bulan mendapat habuan yang tetap atau terus berada dalam arus perdana kesenian dan terus mendapat perhatian. Bantuan dana dan geran daripada keprihatinan kerajaan sedikit sebanyak memberi sinar baru pada artis pada hari ini yang bergelut dengan masalah kewangan bagi membina pengkaryaan mereka. Realistiknya yang perlu diketahui oleh artis pada hari ini adalah walaupun audien dalam bidang mereka tidak besar mereka juga boleh hidup seperti manusia yang lain, terima kasih pada dunia komersial dalam penghasilan seni pada hari ini kerana selagi ada peminat (kolektor) selagi itu mereka boleh bertahan.

1330 – Peserta berkumpul melakukan lawatan bebas  ke China Town dan berkumpul 30 minit

selepas itu untuk ke Emily Hill atau Astaka Seni.

1400 – Marco Kusumawijaya - ‘ The Pragmatic Art’

Marca Kusumawijaya merupakan seorang urbanis dan arkitek merupakan juga pengasas Rujak Center for Urban Studies atau Rujak yang memokuskan pengkajian dan praktis terhadap idea pembandaran yang mampan. Rujak yang bermaksud Ruang Jakarta  untuk membina Jakarta sebagai bandaraya yang mampan untuk diduduki .  Rujak juga mempunyai blog dimana ia memberi ruang warganya menyalurkan idea, tindakan, soal jawab, tahu bagaimana, cabaran dan cadangan-cadangan yang boleh dikongsi bagaimana mentransformasikan bandaraya ini dengan sebaiknya. Dalam tajuk ‘The Pragmatic Art’ beliau banyak menyentuh bagaimana membebaskan ruang publik dengan membawa seni kepada ruang publik dengan penglibatan audien itu sebagai objek tumpuan. Marco menjelaskan bandar-bandar besar yang menjadi tumpuan penduduk kurang dengan dengan ruang-ruang spontan yang boleh membina kreativiti komunitinya. Beliau ruang-ruang urban ini perlu kepada kesenian  yang berbentuk protes, provokasi, berfikir dan menyoal kembali. Menurutnya tugas artis adalah membebaskan ruang ini bukan sahaja untuk ekspresi semata-mata malah menawarkan ruang bermeditasi seperti yang dilakukan di kebanyakan negara-negara Eropah dengan meletakkan ruang awam dengan sesuatu yang ingin dilihat oleh dan dekat dengan komuniti setempat yang sudah tentu memerlukan perancangan yang tidak rapi pasti akan merosakkanya dari situ polisi menjadi satu yang amat penting. Perancangan tidak seharusnya merosakkan ekologi dan apa yang merisaukan beliau adalah jika masyarakat tidak dapat merasikannya lagi.

1530 – Rehat

1600 – Khairuddin Hori – ‘History of Contemporary Art In Singapore Version 6’

Program di sambung dengan tajuk ‘History of Contemporary Art In Singapore Version 6’ oleh Khairuddin Hori iaitu kurator di Singapore Art Museum yang juga merupakan seorang artis. Peserta didedahkan dengan retrospektif perkembangan seni kontemporari Singapura dengan pemain-pemain utamanya dari tahun tujuh puluhan sehingga ke hari ini, kontroversi dan kejutan-kejutan yang melingkarinya, bermula displin yang pelbagai atau dalam seni, interaksi serantau seperti ekspo seni dan beinnail, kelahiran artis sebagai kurator sebagai mengisi kelompongan apresiasi, penerbitan seni, sokongan kerajaan dari segi dana dan geran, pendidikan seni, galeri komersil dan perubahan pucuk pimpinan dalam institusi seni dan pembuat polisi.

Khairuddin juga menerangkan perancangan sehingga jangka panjang institusi seninya itu dengan sebuah bangunan baru National Art Gallery Singapore akan siap dimana pada tahun 2012 dimana ia akan menyimpan koleksi seni lukis moden secara berasingan manakala mereka merancang untuk menjadikan Singapore Art Museum SAM sebagai pusat rujukan utama di rantau ini yang akan memberi fokus kepada seni lukis kontemporari Asia Tenggara.  Satu sayap baru dengan pengambilan sebuah bangunan lama bersebelahan dengan SAM iatu 8Q dijadikan ruang pameran seni kontemporari antarabangsa yang datang dari luar negara yang dirangka untuk merancakkan lagi program mereka disamping bagi menarik kedatangan  pengunjung luar berkunjung ke Singapura.

1830 – Makam malam peserta melakukan aktiviti sendir. Kami mengambil keputusan untuk

makan restoran masakan Melayu di Bencoolen St, dan mencari kedai buku Kinokuniya di Orchard St.

2200 – Sampai di hotel untuk berihat.

Hari Keempat / 14 Nov 2010

Lokasi: Arab St District

1000 – Disebabkan program pertama pada hari ini akan bermula pada jam 1.30 tengah hari

kami mengambil kesempatan untuk pergi beberapa pameran yang sedang berlangsung. Tempat pertama kunjungan kami adalah pameran ‘Manifesto of the New Aesthetics: Seven Artist from Indonesia’ di Institute of Contemporary Art Singapore (ICAS) . Pameran ini adalah merupakan pameran yang dikuratorkan oleh Rika . ICAS adalah ruang galeri khusus bagi  penerokaan baru, eksperimental praktis dalam seni, rekaan dan media. Program mempamerkan pameran antarabangsa, Asia, Asia Tenggara dan seni kontemporari tempatan yang bertujuan untuk sebagai satu sumbangan artistik kepada pelajar, artis dan publik. Selepas itu kami merancang untuk ke sebuah galeri lain yang terletak di Little India iaitu ‘Post Museum’ namun kami tidak bernasib baik kerana galeri itu hanya menerima pelawat menerusi temujanji sahaja.

1330 – Lawatan berpandu ke Masjid Sultan yang terletak di Arab District, masjid ini adalah

antara masjid lama yang masih wujud bukan sahaja tempat sembahyang malah ia boleh dikatakan sebagai pusat Islam disini.

1500 – Saya sampai di hotel untuk mengemas barang dan ‘check out’ untuk pulang kerana

saya perlu menghakimi pertandingan Bakat Muda Sezaman 2010 di Kuala Lumpur pada keesokan hari. Menaiki teksi yang dipanggil oleh pekerja kaunter  untuk sampai ke lapangan terbang lebih kurang 40 minit untuk menaiki pesawat MAS MH 614 .

1600 – Sampai ke lapangaan terbang Changi, penerbangan saya akan berlepas pada jam

1800 dan dijangka akan sampai ke KLIA Sepang pada 1900.

40 Tahun Anugerah Bakat Muda Sezaman

Oleh: Faizal Sidik

Faizal Sidik, '40 Tahun Anugerah Bakat Muda Sezaman', Dewan Budaya, Februari 2015, Dewan Bahasa dan Pustaka, ms 48-51

Sejarah Bakat Muda Sezaman atau BMS bermula pada tahun 1974 apabila Jawatankuasa Pameran dan Pembelian BSLN pada tahun berkenaan yang terdiri daripada AlIahyarham Ismail Zain, AlIahyarham Redza Piyadasa, T.K Sabapathy, mendiang  Joseph Tan, Johan Arif,  Farid Wardi, Mat Yasser Juli dan Zurina Majid beranggapan perlunya diadakan satu pameran dan pertandingan bagi memberi peluang kepada pelukis-pelukis muda terutama yang telah keluar sebagai graduan daripada institusi-institusi seni dalam mengembangkan bakat mereka. Dalam menonjolkan pelukis muda maka muncullah nama pertandingan ‘Pelukis Muda Sezaman’  iaitu inspirasi daripada The Young Contemporaries Exhibition yang telah diadakan di London menurut Sulaiman Esa pada sekitar tahun 60 an.

Rentetan daripada bertambahnya bilangan pelukis-pelukis muda yang telah lulus keluar daripada institusi-institusi seni lukis dimana mereka memerlukan ruang-ruang yang khusus dalam menunjukkan kebolehan dan hasil daripada latihan di institusi-institusi tadi dalam memperkenalkan daya kreativiti pengkaryaan mereka untuk tatapan umum.  Jadi BMS menjadi medan ‘perang’ yang dinantikan-nantikan dan ditunggu-tunggu oleh mereka dan menjadi medan ‘kritik’ pula kepada kita terhadap perkembangan seni lukis Malaysia.

Statistik jumlah karya bertanding mengikut tahun dalam BMS (1974-2010)

Sungguhpun begitu dalam mencapai maksudnya yang sebenar dalam mengangkat dan menyatukan karya pelukis-pelukis muda yang dianggap baik dalam satu bumbung ia juga boleh menjadi satu penanda aras yang kritikal dalam mengukur  kualiti produk-produk yang di keluarkan oleh institusi seni lukis itu tadi samada mereka adalah relevan mengikut kehandak sezaman atau masih kuat dengan aturan kehendak akademi seni yang kaku lagi beku. Galakan dan dorongan yang diberikan oleh BSLN dalam mengelolakan acara ini hampir  40 tahun penganjurannya harus diberi pujian.

Sebanyak   23 edisi Bakat Muda Sezaman yang telah dijalankan sepanjang 40 tahun itu iaitu daripada tahun 1974 hingga 2010. Sungguhpun begitu dalam tempoh itu banyak perubahan-perubahan yang telah dilaksanakan dari segi model yang dilakukan yang bertujuan untuk mengangkat acara ini sesuai dengan mengikut perkembangan semasa seni kontemporari yang berlaku di tanah air. Perubahan-perubahan ini boleh dilihat dari segi faktor had umur, penyertaan pelukis, hadiah dan format pertandingan.

BMS 1970 an

Pada mulanya BMS dirangka untuk mengetegahkan pelukis-pelukis muda yang diharap mereka ini akan menjadi pelapis kepada pelukis yang sedia ada agar negara kita tidak ketandusan pelukis-pelukis berbakat yang boleh memberi sumbangan dari sudut estetika kepada negara. Oleh itu umur pelukis yang yang layak BMS ini pertama pada tahun 1974 telah dirangka kepada pelukis dibawah 30 tahun sahaja. Pada awalnya penyertaan adalah secara tertutup iaitu melalui jemputan. Seramai 13 artis muda yang berkaliber pada sekitar tahun itu diberi peluang untuk menghantar karya mereka namun hanya separuh atau  tujuh artis sahaja yang mengesahkan penyertaan mereka. Pada edisi bersejarah pertama Hadiah Terbaik ini ia dimenangi oleh Zulkifli Dahlan dengan karya ‘Halaman Rumah Kami’, 1973. Zulkifli adalah pemenang pertama juga yang telah memenangi tiket kapal terbang yang ditawarkan untuk membuat perjalanan ke negara ASEAN atau India. Namun Zulkifli telah memutuskan untuk membuat kunjungan ke India pada tahun 1975 selain wang tunai RM 2,000.

Pada edisi kedua terdapat perubahan besar yang berlaku antara yang utama adalah penyertaan dijalankan secara terbuka, ini bermakna pintu penyertaan dibuka seluas-luasnya kepada pelukis-pelukis muda dibawah umur 30 tahun boleh menghantar seberapa banyak karya yang mereka mampu. Keterbukaan penganjuran pada edisi ini telah menyebabkan panganjur telah menerima 93 karya daripada 37 orang artis, namun hanya 19 karya daripada 29 artis sahaja yang terpilih untuk di pamerkan.  Antara syarat lain yang perlu di patuhi oleh artis antara lain adalah dimana peserta dikehendaki untuk menghantar slaid berwarna sebagai syarat penyertaan. Hadiah wang tunai RM 2,000 dan tiket perjalanan ke negara ASEAN atau India kekal sehingga edisi ketiga 1976/78. Apa yang menariknya pada edisi ketiga adalah penganjur menerima tajaan daripada pihak korporat iaitu Sistem Penerbangan Malaysia (MAS), dimana pihak MAS telah menaja tiket-tiket kepada para pemenang. Pada tahun berkenaan 49 karya daripada 18 pelukis telah diterima diman panel hakim teleh menetapkan hanya 19 karya  sahaja terpilih dari 29 pelukis.

Pameran tidak diadakan selama 3 tahun iaitu daripada 1978 hingga 1980 kerana bagi memberi tumpuan kepada pameran dan pertandingan lain iaitu Pertandingan Seni Lukis dan Grafik 1977/1978 dan Salon Malaysia. Daripada 4 edisi penganjuran awal BMS pada tahun 1970 an karya-karya aliran Konstruktif begitu popular dan mendominasi pemenang dan peserta yang bertanding. Pengaruh kuat daripada pensyarah-pensyarah yang pernah belajar di luar terutamanya kumpulan ‘New Scene’ boleh dikatakan cukup kuat pada karya-karya yang dihantar dimana mereka menyarankan cara baru dalam melihat , berkreatif dan pendekatan yang dibawa  bersifat intelektual, tidak bersifat peribadi dan menolak simbolik.

BMS 1980 an

Sepanjang dekad 1980 an penganjuran BMS telah mencapai tahap penganjuran boleh dikatakan membanggakan kerana dijalankan secara konsisten sebanyak sepanjang 9 kali daripada tahun 1982 hingga 1990. Karya-karya yang dihantar menampakkan kehalusan kreativiti dan inovatif yang mengaitkan bentuk tradisi dan sezaman. Mungkin Kongres Kebudayaan Kebangsaan pada 1972 dan Seminar Akar-Akar Peribumi tahun 1979  telah menampakkan kesan dan pengaruhnya.

Pada tahun 1981 penganjur menerima 151 karya daripada 44 peserta. Format dari segi had umur dan penghantaran slide berwarna masih dikekalkan. Apa yang menariknya adalah jumlah penerima hadiah selain Hadiah Utama berjumlah RM 2000 dan tiket kapal terbang ke Sydney. Panel  telah menambah 3 lagi untuk diberikan Hadiah Kecil RM 1,000 setiap seorang. Perihal dengan memberi hadiah saguhati ini boleh dilihat sebagai pendorong agar berusaha lebih lagi di tahun-tahun mendatang bagi karya artis muda yang berpotensi menang diperingkat akhir penjurian namun tidak berjaya untuk diberi kemenangan Hadiah Utama.

Had umur peserta yang layak menyertai mula dinaikan daripada 30 tahun kepada 35 tahun bermula daripada tahun 1982. Hal ini dilakukan selaras bagi mengikut usia maksimum belia atau kaum muda  oleh Kementerian Belia dan Sukan yang menjaga hal kepentingan belia. Oleh yang demikian umur bagi syarat kelayakan BMS perlu mematuhi garis panduan yang diputuskan oleh pengubal. Pada tahun ini penganjuran menerima 191 karya daripa 78 peserta. Karya yang terpilih untuk pamerkan adalah sebanyak 97 karya daripada 39 peserta. Pada edisi yang ke-6 pada tahun 1983 Hadiah Kecil telah ditambah kepada 4 hadiah dimana penganjur telah menerima 158 karya daripada 46 pelukis dan hanya 84 karya terpilih di peringkat akhir penjurian.

Pertambahan Hadiah Kecil (Minor Award) tidak terhenti di situ sahaja, tetapi hadiah ini telah ditambah sekali lagi kepada 5 hadiah disamping Hadiah Utama pada tahun 1984. Pada tahun ini penganjur telah menerima 104 karya oleh 41 pelukis dengan 85 karya terpilih untuk dipertandingkan. Penetapan 1 Hadiah Utama dan 5 Hadiah Kecil ini terus dilaksankan selama 13 tahun sehinggalah pada tahun 1997 apabila hadiah dipecahkan mengikut kategori. Pada tahun ini BMS mula mendapat tajaan syarikat korporat swasta seperti Malaysia Tobacco Company manakala syarikat minyak dan gas iaitu Esso Malaysia telah menaja daripada 1985 hinggalah pertengahan 1990 an.

Ada dua penambahbaikan yang dilakukan bermula pada edisi ke-8 pada 1985. Pertama pertandingan telah mula diperkenalkan secara bertema dan kedua syarat penghantaran telah diperketatkan dimana seorang artis hanya boleh menghantar maksimum 3 karya sahaja. Pengacaraan bertema ini telah dilaksankan selama 7 edisi BMS antara tema-tema yang pernah dipilih adalah ‘Bahan-bahan Tempatan’ (1985), ‘Keamanan’ sempena Tahun Keamanan Antarabangsa (1986), Perlindungan kepada yang tiada Kediaman’ oleh UNESCO (1987), ‘Bahan dan Kreativiti’ (1988), ‘Literacy’ (1989), ‘Lawat Malaysia 1990’ (1990), ‘Warisan Kita’ 1991. Sungguhpun begitu tiada lagi kesempatan yang diberikan oleh pengajur kepada pemenang Hadiah Utama apabila geran perjalanan keluar negara tidak diberikan pada tahun 80 an sehinggalah pada pertengahan 1990 an.

BMS 1990 an

Pada tahun 1991 BMS dijalankan dengan bertemakan ‘Warisan Kita’ . Daripada maklum balas yang diterima daripada panel penilai dan juga peserta sendiri acara yang dijalankan secara bertema ini telah menghadkan pergerakan mereka untuk berekpresi dan bereksperimentasi. Oleh yang demikian pada edisi 1992 penganjur merasakan adalah perlu agar pertandingan berbalik kepada landasan yang asal dengan memberi ruang yang lebih peserta untuk bereksplorasi. Tidak hairanlah dengan penstrukturan semula format,  BMS pada tahun awal 90 an ia telah menerima minat yang menggalakkan oleh artis muda.

Ini terbukti apabila BMS telah menerima penyertaan terbesar dalam statistik penganjurannya pada edisi yang ke-15 iaitu pada tahun 1992 dengan 425 karya daripada 223 pelukis dimana 119 karya daripada 66 peserta mengesahkan menyertai pertandingan itu. Pada tahun 1993 acara ini tidak dijalankan. Pada  1994 BMS telah menimbulkan kontroversi apabila tiada pemenang yang diberikan Hadiah Utama apabila hanya 11 Hadiah Kecil yang berjumlah RM 11,000 telah diberikan. Pada tahun itu BMS menerima 295 karya daripa 134 pelukis dangan 133 karya terpilih untuk dipamerkan. Tahun 1995 acara yang ditunggu-tunggu ini sekali lagi tidak dapat dijalankan.

Pada 1996 BMS sekali lagi telah menerima perubahan dari segi format penyertaan. Ini adalah kerana; (1) Ada panel yang berpendapat adalah tidak adil kepada mereka untuk membuat penilaian dan penghakiman karya-karya dalam satu pertandingan yang menghimpun semua genre seni halus dari segi olahan, skala dan hasrat dalam satu pertembungan. (2) Sisipan atau slaid mula digunakan dan diwujudkan semula bagi memilih karya-karya benar bemutu dan menjimatkan masa dan ruang penghakiman.(3) Syarat penyertaan diperketakan 20 hingga 30 tahun agar pelukis diberi masa sekurang-kurangnya 2 tahun selepas keluar dari institusi seni bagi menimba pengalaman di luar terlebih dahulu sebelum bertanding.

Pada edisi ini BMS menerima 297 penyertaan daripada 222 pelukis. Hanya 43 karya sahaja yang layak telah dipertimbangkan ke peringkat akhir. Hadiah pemenang telah dinilai semula semenjak 1984 yang bernilai hanya RM 8,000 secara keseluruhan. Panel bersetuju untuk menambahkan nilai hadiah mengikut keperluan semasa dari segi kos dan bahan yang dilaburkan artis.  Mulai 1996 pemenang Hadiah Utama menerima RM 6,000 dan geran perjalanan RM 3,000 dan 5 Hadiah Kecil berjumlah RM 2,000 setiap seorang dan geran perjalanan RM 2,000 dengan jumlah keseluruhan bernilai RM 29,000.

Hasil daripada ‘pembedahan’ edisi BMS sebelumnya, pengadil atau hakim dari luar terutamanya dari kalangan negara ASEAN mula dijemput bersama bagi meningkatkan lagi mutu pengadilan dan menyemarkkan lagi semangat Tenggara . Pengkategorian mula diperkenalkan, Pada 1997 BMS telah menerima 76 karya iaitu 35 karya dari kategori catan, 17 karya arca/instalasi, 9 karya cetakan/fotografi, dan 8 karya multimedia/eksperimental. Namun demikian ada panel  yang mempersoalkan penetapan 4 kategori yang membataskan pengkaryaan artis.Pembahagian hadiah telah dirombak dengan 1 Hadiah Keseluruhan, 4 Hadiah Pemenang mengikut kategori dan 1 Hadiah Penghargaan juri yang baru diperkenalkan. Hadiah kemenangan sekali lagi telah ditambah  kepada RM 9,000 dengan jumlah keseluruhan RM 38,000.

BMS sekali lagi tidak dapat dilaksanakan pada 1998 dan setahun kemudian pula ditumpukan untuk menjalankan penyelidikan tentang keberkesanan program selepas 23 tahun ia berjalan. Pameran ‘Imbasan Bakat Muda Sezaman’  atau Imbasan BMS (1974-1977) adalah Sebuah pameran pengumpulan semula para pemenang yang lepad dalam bentuk dokumentasi video dan cetak selama lebih 2 dekad BMS diadakan. Ada beberapa resolusi yang dikenalpasti daripada pameran ini antaranya (1)BMS perlu mengikut keperluan dan perubahan semasa (2) Objektif, format dan prestasi di ubah semula (3) Acara diadakan dua tahun sekali. (4) Hadiah dinaikan.

BMS 2000 an

BMS alaf baru berjaya dilakukan dua tahun sekali atau ‘BMS Biennial’ ini telah mancapai hasratnya untuk dijalankan secara dwi-tahunan kecuali pada tahun 2008. Beberapa format baru telah dijalankan antaranya; (1) had umur bawah 35 tahun. (2) Peserta perlu menghantar sekurang-kurangnya lima slaid hasil karya yang dibuat dalam 2 tahun yang lepas dan hasil dari melihat slaid hasil dari melihat slaid oleh hakim pertandingan, pelukis yang layak sahaja akan dijemput untuk menghantar karya.(3) Penghakiman ke atas karya sebenar dilakukan untuk menentukan peserta yang berjaya.

Pada tahun 2000 penganjur menerima 86 karya daripada 36 pelukis, hanya 27 artis sahaja yang dikehendaki menghantar karya akhir mereka. Hadiah keseluruhan berjumlah RM 45,000 dibahagikan kepada 1 Hadiah Utama (RM 10,000 dan waran perjalanan RM 3,000 ke sebuah negara ASEAN dan penerbitan folio khas pelukis RM 2,000), 3 Hadiah Khas Juri  (RM 5,000 bersama waran perjalanan RM 3,000 ke sebuah negara ASEAN, 6 Hadiah Penghargaaan RM 1,000 setiap seorang.

Format dua edisi berikutnya iaitu pada tahun 2002 dan 2004 diteruskan dimana 28 penyertaan diterima pada tahun 2002 dan 35 penyertaan datangnya daripada tahun 2004. Pada 2006 hanya 31 karya dipertandingkan namun tiada pemenang utama diumumkan. Disebabkan panel tidak menemui pemenang ia digantikan dengan 2 Hadiah Bina yang bertujuan untuk melihat lagi dan perkembangan semula  2 pelukis yang dikenalpasti bagitu hampir memenangi Hadiah Utama. Panel juga telah menukar Hadiah Khas Juri dan hadiah penghargaan yang dijalankan pada 3 edisi sebelum ini kepada hanya Hadiah Juri iaitu seramai 8 orang pemenang.

Pada 2008 acara ini tidak dijalankan dan kembali pada 2 tahun kemudian. Pada 2010 dijalankan semula dengan format penyertaan yang agak berbeza dimana seseorang artis perlu dicadangkan atau disyorkan untuk layak mengambil bahagian dalam pertandingan ini. Pencadang yang mencadangkan artis ini pula terdiri daripada mereka yang telah biasa dengan pengkaryaan atau mengetahui latar belakang artis yang terdiri daripada profesional seni seperti kurator, pensejarah seni, ahli akademik, pengkritik, penulis, pemilik galeri, pengumpul, mahupun rakan artis.Format baru ini telah menerima seramai 80 penyertaan. Namun hanya 40 karya sahaja yang dipertimbangkan benar-benar layak untuk dipertandingak di peringkat akhir

Penutup

Secara umumnya apabila ditinjau semula format BMS bermodelkan pertandingan yang bertujuan bagi mencari bakat dengan tawaran hadiah. Sungguhpun begitu ada yang mencadangkan agar ia tidak lagi dijalankan secara pertandingan kerana ia tidak membentuk seni lukis kita secara jujur kerana ada artis hanya akan berkarya semata-mata untuk memenangi habuan. Ada juga pendapat yang mengatakan agar acara ini kembali semula kepada model terawal itu secara jemputan seperti Turner Prize dimana artis-artis muda yang dirasakan berkaliber sahaja dilakukan penilaian dengan membuat lawatan-lawatan ke tempat atau studio mereka berkarya.

Nirmala Shanmughalingan: Pernyataan I

Nirmala Shanmughalingan (L.1941)

“Statement I/Pernyataan I”

Fotografi, keratan akhbar, dokumen fotostat atas bod, 1973

Koleksi: Balai Seni Lukis Negara (BSLN 1974-020)

Oleh: Faizal Sidik

Karya “Statement I” 1973 adalah merupakan sebuah karya yang juga pernah memenangi Anugerah Utama di dalam pertandingan ‘Manusia dan Alamnya’ dalam tahun yang sama kerana sumbangannya di dalam merubah landskap seni lukis negara pada dekad ini dengan karya bersifat konsep. Nirmala dikatakan telah mengambil masa selama setengah tahun untuk membuat kajian lapangan dengan membuat lawatan ke lokasi dan mengumpul bahan-bahan yang sesuai untuk membina karya ini.

Karya ini boleh dibahagikan kepada dua bahagian iaitu bahagian satu di sebelah kiri seperti sebuah papan notis atau papan ‘kenyataan’ yang memaparkan  12 pernyataan-pernyataan yang pernah  di siarkan di dalam akhbar mahupun artikel  dalam pelbagai saiz yang di kumpul dan di bahagian sebelah kanan merupakan gambar fotografi . Di dalam bahagian satu Nirmala menyusun kronologi-kronologi tajuk yang dipaparkan oleh media massa melalui sebuah bingkai antaranya:

1. “Culprit and Victim – Himself”

2.   (Keratan akhbar komen pembaca tentang pencemaran)

3. “A square are of forest twenty-five meters on side will provide all oxygen needed by

     one man”

4. “Tasik Bera an outpost of nature”

5. “Heritage Lost” – “ A small war’s toll”

6.  “Canyon of desolution”

7.  “Smog shrouds Los Angeles: Tokyo fight for breath”

8. “The sad story of our river”

9.  “Total Submersion”

10. “Pollution Peril””

11. “The process of living depends on water

12.  “A man without water loses weight as he dries out.”

Rajah susunan tajuk-tajuk keratan akhbar (kiri) dan fotografi(kanan)

Piyadasa pernah menyebut semasa mengkuratorkan pameran solo Nirmala “Kesemua bahan yang beliau himpunkan adalah datangnya dari kawasan setempat (sekitar kawasan Damansara) yang dipersembahkan seperti bahan-bahan bukti di dalam mahkamah!. Selain itu, sampel bahan buangan dan buangan industri yang diambil daripada kawasan tersebut dibawa masuk ke dalam galeri dan dipamerkan sebagai sebahagian daripada kenyataan beliau.”

Di dalam bahagian 2 terdapat 20 buah gambar fotografi daripada kawasan setempat yang dikaji oleh Nirmala. Pengolahan secara photo-journalism telah menjadi bahasa pilihan beliau sebagai satu media sebaran yang dikatakan tepat bagi menyampaikan mesej kepada masyarakat. Bahagian dua karya ini mempunyai cara persembahan yang sama seperti di dalam karya cetakan sutera saring Andy Warhol yang bertajuk “Green Car Crash” 1963 dan  “Atomic Bomb” 1965 iaitu  karya beliau di dalam siri Death and Disaster dari segi permainan komposisi petakan empat segi yang berulang-ulang.

Karya “Green Car Crash” dalam siri Death and Disaster  iaitu sebuah kemalangan ngeri kereta dianggap oleh pengkritik adalah sebagai karya penting di dalam cerminan kehidupan budaya kontemporari kita pada hari ini. Ia boleh dianggap sebagai gerakan perubahan di dalam dunia seni mentranformasi pemikiran psikoanalisis. Imej daripada sumber yang luar biasa, aneh dan menimbulkan kekacauan pemerhati. Manakala melalui “Atomic Bomb” pula kuasa dan kesan visual daripada letupan bom atom yang merupakan simbol kekuasan senjata baru yang boleh membinasa dan memusnahkan manusia dan kehidupan alam semulajadi daripada letusan nuklear telah menjadi inspirasi kepada Nirmala.  Tema tragedi pencemaran dan kemalangan yang dibawa oleh Warhol dipinjam oleh Nirmala dalam karya komentar sosial terhadap pencemaran alam sekitar setempat.

Andy Warhol (1928-1987)

“Green Car Crash”

Sutera saring atas kanvas

500 cm x 578 cm, 1963

 

Andy Warhol (1928-1987)

 “Atomic Bomb”

Sutera saring atas kanvas

497 cm x 648 cm, 1965

Koleksi: Saatchi Collection, London.

Kekuatan karya Nirmala selain pengolahan bahantara yang sesuai dan menarik adalah dari pernyataan artis itu sendiri atau artist statement yang sarat dengan rasa ketidakpuashatian terhadap pencemaran yang berlaku. Kenyataan beliau ini mengajak kita melalui pengalaman itu kemudian melihat apa yang terjadi, merenung semula keadaan disitu pada masa lalu, pada masa kini dan akan datang dan seterusnya reaksi terhadap situasi ini. Di akhir kenyataan itu Nirmala memberi saranan kita apakah tujuan kenyataan beliau ini dan membangkitkan persoalan-persoalan yang lebih besar iaitu mengenai dasar Pembangunan Negara:

Karya ini dilihat seperti sebuah kajian geografi tempatan dari sudut sosiologi dan ekologi sesuatu penempatan. Nirmala memilih kawasan Damansara hanyalah sebagai contoh kecil terhadap apa yang berlaku diseluruh negara kita. Penggunaan keratan akhbar , dokumen, salinan fotostat, fotografi sebagai dokumentasi dan catatan  pencemaran yang di pamerkan seolah-olah Nirmala merupakan seorang ahli saintis alam sekitar yang merekod jumpaan-jumpaan beliau dalam misi kajiannya. Dari sudut lain Nirmala juga dilihat sebagai pejuang hak alam sekitar atau enviromentalis yang berkempen meningkatkan kesedaran masyarakat terhadap kemusnahan yang berlaku akibat daripada pembangunan yang tidak seimbang.

Karya Pintu Masuk Redza Piyadasa

Oleh: Faizal Sidik

Faizal Sidik (2013), 'Karya Pintu Masuk Redza Piyadasa' Dewan Budaya, Dewan Bahasa dan Pustaka, Februari 2013.

Karya yang bertajuk “Entry Points” 1978 ini merupakan sebuah karya Redza Piyadasa  yang menggabungkan pelbagai bahan pengantara. Di dalam karya catan di atas panel ini jika sekali imbas bagi mereka yang baru pertama kali melihat karya ini dari sudut formal mungkin akan mengatakan ia adalah sebuah catan lanskap biasa kerana terdapat  sebuah catan landskap yang dibingkaikan dan terletak di bahagian atas namun sempadan hitam  terbuka dari bawah yang mengelilinginya dan terdapat satu lagi sempadan hitam yang mengelilingi catan itu ditambah dengan penggunaan teks perkataan berbahasa Inggeris yang sama warnanya dengan catan lanskap itu menyebut ART WORK NEVER EXIST IN TIME, THEY HAVE “ENTRY POINTS” atau terjemahannya “KARYA SENI TIDAK  WUJUD DALAM  JANGKA WAKTU TERTENTU, IANYA MEMPUNYAI “TITIK PERMULAAN” mungkin membuat anda tertanya-tanya apakah sebenarnya yang dihasilkan oleh Piyadasa ini?.

Redza Piyadasa (1939-2007)

“Entry Points”

Bingkai, cat minyak dan akrilik atas panel

152 cm x 136 cm, 1978

Koleksi: Balai Seni Lukis Negara (BSLN 1979-004)

Piyadasa menjelaskan idea sebenarnya adalah menyoal semula terhadap tradisi seni lukis landskap atau pemandangan. Boleh saya katakan bahawa idea ini diteruskan daripada karya yang membawa tema yang sama enam tahun sebelumnya  iaitu karya ‘The Great Malaysia Landscape’ 1972. Untuk memahami karya ini dengan lebih dekat lagi disini ada beberapa  rajah yang boleh membantu , di dalam Ilustrasi dibawah ini  merupakan penunjuk arah dimana tempat masuk sempadan hitam yang mana mewakili “keadaan”   Mata audien seolah-olah memasuki satu kawasan atau ruang peribadi yang diciptakan oleh artis ianya seperti sempadan yang memisahkan di antara dunia kreativiti artistik dengan dunia luar.

Arah pintu masuk atau entry point

Menurut beliau sendiri “Sebenarnya pemindahan karya asal yang dihasilkan pada tahun 1958 kepada 1978, Piyadasa telah menerokai karya seni sebenar dengan kemampuan untuk bergerak melalui tempat yang ideal iaitu dari segi sejarah dan enter (memasuki) konteks yang baru. Historical transgression (pemindahan dari segi sejarah) telah dilakukan. Karya ini mengambarkan refleksi dan pendekatan dialektikal oleh artis sepanjang fasa seni konseptual dalam karier beliau.” Sempadan artistik dan dunia biasa ini. Audien yang melihat dari ‘titik permulaan’ seolah-olah memasuki dunia diluar realiti kehidupan biasa mereka.

Sempadan hitam bingkai

Karya ini dilihat sebagai sebuah catan dalam catan.  Hal ini dapat dilihat di dalam rajah di atas dimana Piyadasa melukis semula sempadan bingkai dalam bingkai pada karya ChiaYu Chia di dalam dan sempadan  terbuka ini di atas sebuah panel dengan meninggalkan sedikit ruang bucu sebelah kiri dan di sebelah kanan lebih kurang dua sentimeter untuk mendapat kesan tersebut. Ianya umpama satu ruang lingkup atau vakum yang diciptakan oleh artis sendiri seperti ada rahsia yang hendak diceritakan. Tambah Sabapathy lagi “Kepentingan seorang artis dan karya seni adalah ditentukan oleh ‘entry point’ oleh sesuatu konteks penceritaan sejarah dan satu segi empat satah masa yang  ideal. ”

Yu Chian yang  terkenal pada sekitar tahun 50 an dengan imej karya pemandangan  kampung, landskap tempatan dan aktiviti harian menegaskan bahawa penguasaan pengamatannya bermain dengan cahaya dan ruang, warna dan jalinan dalam ‘mengamati’objek-objek kesukaannya itu. Warna tulisan teks yang digunakan di dalam karya ini merupakan warna yang sama terdapat di dalam karya landskap “Riverside View” 1958 yang menggunakan warna utama seperti biru, kuning, merah, hijau dan hitam. Karya landskap Chia dilihat mempunyai pengaruh gerakan Fauvisme semasa aliran itu sedang berkembang di Paris, dan kepulangnnya ke Malaysia beliau masih memusatkan dengan subjek yang sama namun dengan cara stimulasi visual yang lebih berani terhadap pengeksplorasian warna melalui penciptaan seperti struktur-struktur binaan atau arkitektur pada permukaan.

Karya ini adalah sebuah pengiktirafan dari segi sumbangan karya “Riverside Scene”  Yu Chian merupakan salah seorang pelukis Nanyang yang lahir di Kota Tinggi, Johor sekitar tahun 1936, beliau meninggal pada 1991. Karya ini dihasilkan semula dua dekad kemudian oleh Piyadasa berdasarkan tandatangan yang bertulis nama Yu Chia, namun stail tandatangan semula yang dihasilkan oleh Piadasa terdapat banyak perbezaan yang ketara untuk mengatakan ia adalah karya asal Yu Chia. Piyadasa cuba menghubungkan karyanya ini dengan pensejarahan seni, karya ini diumpamakan oleh beliau sebagai sebuah penulisan sejarah seni dalam bentuk objek baru.

Pendekatan menggunakan karya artis lain bagi menghasilkan karya mereka sendiri pernah dilakukan oleh Robert Rauschenberg dalam karya “Erased de Kooning Drawing” dihasilkan pada tahun 1953. Rauschenberg pada masa itu merupakan artis yang semakin meningkat naik melakukan karyanya yang paling kontroversi dengan  memadamkan semula karya lukisan ekspressionis abstrak terkenal Amerika pada waktu itu iaitu Willeam de Kooning sebagai satu pernyataan artistik. Di dalam karya lukisan minimalis tanpa imej yang bersaiz 64.14 cm x 55.25 cm x 1.27 cm. Karya asal yang merupakan seperti sebuah lukisan pengkajian figuratif,   De Kooning menggunakan medium campuran krayon, pensil dan arang.

Menurut Rauschenberg apabila beliau memadamkan karyanya sendiri ia masih lagi belum dikatakan seni, beliau bersungguh-sungguh untuk menjadikan karya yang dipadamkan itu agar menjadi sebuah karya seni. Jadi beliau ke studio artis untuk memberitahu idea bagi projeknya dan De Kooning faham lalu membuka beberapa  portfolio dan setuju memberikan lukisan yang paling beliau sayangi kepada Rauschenberg untuk menjadikannya sesuatu yang ‘besar’.

Robert Rauschenberg (1925-2008)

“Erased de Kooning Drawing”

Kesan dakwat dan kryon atas kertas, label dan bingkai keemasan

64.14 cm x 55.25 cm x 1.27 cm, 1953

Koleksi: San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA)

Rauschenberg dikatakan mengambil masa selama dua bulan untuk memadam lukisan itu untuk mendapatkan kesan yang diinginkan dan meminta rakannya Jasper John di tingkat atas studionya untuk membuat teks ayat bagi karyanya yang baru itu di bahagian tengah bawah lukisan dengan tajuk. “ERASED de KOONING DRAWING, ROBERT RAUSCHENBERG, 1953” sebagai sebahagian daripada karya itu. Koloborasi dalam pengkaryaan seni yang dilakukan oleh Rauschenberg bukanlah sebuah catatan biasa namun melangkaui daripada itu ia merupakan salah satu cara beliau sebagai artis merayakan idea, iaitu memadamkan semula lukisan seorang artis besar seolah-oleh memadamkan semula karya “Women” iaitu siri terkenal Willem de Kooning.

Jika sebelum ini kedua-dua karya beliau yang membincangkan persoalan pengkaryaan tradisi seni lukis landskap Malaysia secara berkonsep, kesinambungan pendekatan persembahan diteruskan lagi oleh Piyadasa di dalam karya “Art Situations No.8” 1978. Piyadasa beralih kepada figuratif yang menggabungkan permukaan dua dimensi catan dan arca tiga dimensi dalam satu ruang. Ianya dilihat seolah-olah beliau ingin mengeluarkan imej pigmen hitam di dalam garis sempadan yang terdapat pada panel keluar dari permukaannya.

 Redza Piyadasa (1939-2007)

 “Art Situation No.8”

Akrilik, plywood dan bentuk acuan simen

310 cm x 126 cm x 40 cm, 1978

Koleksi: Balai Seni Lukis Negara (BSLN 2001-039)

Dalam “Art Situation No.8”  kita boleh melihat pembawaan  yang ingin diperkatakan oleh Piyadasa “keadaan” atau situation apa yang ada di dalam karya ini dan begitu juga “Entry Point”  Piyadasa meninggalkan sempadan hitam yang terbuka dibawah kedua-dua karya ini. Jika diperhatikan terdapat kesinambungan dimana dalam “Entry Point” beliau meminjamkan karya catan landskap oleh ChiaYu Chian manakala di dalam karya ini beliau menghasilkan arca yang diperbuat daripada simen tertulis perkataan LATIFF. Di bahagian hadapan padestal arca dan itu meminjam pula karya arca kepala artis Latiff Mohidin.

Pantulan pancaran cahaya menghasilkan bayang memainkan peranan yang penting untuk menghidupkan karya ini. Ianya seperti bayang yang yang terhasil dalam permainan wayang kulit. Beliau umpama seorang dalang yang memainkan watak, manakala Latiff adalah karakter wayang tersebut. Balikan bayang dari arca Latiff yang memantul masuk melalui ‘sempadan hitam’ pada permukaan catan yang berwarna merah atau kelir didalamnya sebagai penegasan dimana bayang yang jatuh itu sepatutnya berada. Ini mempunyai tema yang sama dalam karya sebelumnya yang menyatakan kepentingan seorang artis dan karya seni adalah ditentukan oleh ‘entry point’ oleh sesuatu konteks penceritaan sejarah dan satu segi empat satah masa yang  ideal. 

Arah pantulan cahaya dalam penghasilan bayang

Pantulan cahaya daripada arca memasuki ‘entry point’

Penerokaan Piyadasa terhadap  permukaan dua dimensi di dalam karya ‘Entry Point’ kedalam bentuk yang bermain dengan ‘keadaan’ ruang boleh juga diperhatikan dalam karya “Playing Poker” 1975 oleh Lee Kian Seng. Pengaruh mempengaruhi dari segi stail persembahan karya dan bahan campuran yang digunakan hampir sama dapat dilihat oleh artis pada masa ini .

Kelahiran siri karya Rupa Malaysia dilihat oleh beberapa pengkritik serius di sini sebagai satu peralihan yang kurang tepat dalam karier beliau. Penggunaan bahantara campuran yang dianggap ‘manis’ bermula dengan karya seperti ‘Bentuk Malaysia Tulen’ 1980 yang menggunakan  bahantara imej bromide dan akrilik di atas kanvas dikatakan tidak mengambarkan kesinambungan pemikiran beliau seperti yang diperlihatkan didalam manifesto pameran “Towards a Mystical of Reality” iaitu sebuah dokumentasi pengalaman bersama antara beliau dan Sulaiman Esa yang bukan mementingkan bentuk tetapi terhadap persepsi di dalam melihat karya itu sendiri dari sudut rasional dan saintifik yang mengambil konsep ruang dan masa yang berpandukan falsafah Zen malah membuang ego artistik sebagai individualistik di dalam pembacaan seni barat. Mereka berdua cuba mengabungkan pengaruh barat dan timur atau pertembungan ‘western centric’ dengan ‘eastern centric’.

Redza Piyadasa

'Bentuk Malaysia'

Imej fotografi dan akrilik atas kayu

150 cm x 120 cm x 14 cm

(Telah lupus)

Redza Piyadasa

'Bentuk Malaysia Tulen'

1980

Imej bromide, akrilik atas kanvas

106 cm x 70 cm

Koleksi Peribadi, Kuala Lumpur

Perkembangan bahantara dalam karya Piyadasa boleh dilihat dengan jelas selepas pameran itu yang diadakan di Dewan Bahasa dan Pustaka. Pengalaman Piyadasa menceritakan bagaimana gementarnya beliau dalam  perasmian pameran itu apabila Salleh Ben Joned telah ‘menyirami’ pokok bunga yang juga dikatakan mereka berdua sebagai karya seni di jaga dengan menyiram oleh mereka selam 7 bulan di atas karya beliau. Ini menandakan bagaimana penggunaan bahan yang radikal yang dimulai oleh mereka memberi impak yang sangat kuat terhadap polemik pengkaryaan seni yang menggunakan pelbagai bahan  pada tahun-tahun ini.

Rujukan

Redza Piyadasa, “ Masterpieces from National Art Gallery of Malaysia,  m.s. 200